La escultura contemporánea celebra la vida – Germán Arzate Garza

En el arte y en el proceso de realizar una escultura contemporánea la celebración es un papel sumamente importante. Para muchos celebrar es emborracharse o fumar o tener mucho dinero y así sucesivamente comprar algo.
Para todos es algo físico.

Para el artista que se dedica a trabajar en una escultura contemporánea celebrar es poder encontrar o darle sentido a un sueño, una emoción un sentimiento, la aportación estética artística de un artista al mundo, el poder expresar plasmar, sentir y gozar cómo fluye una idea a través de tus sentidos, cómo a través de tus manos y emoción puedes plasmarla…

Ahí es donde empieza la celebración, no cuando terminas una escultura de bronce, a veces es un chispazo, es una imagen que aparece frente a ti. El arte de la escultura contemporánea mira formas, no importa si es una nube o un pedazo de arcilla, si es un material o algo existente, la idea puede llegar en una película, al estar hablando con alguien, viendo fotos o en un sueño. Así empieza la celebración puesto que eso te da una satisfacción tremenda.

Para el artista, la celebración se vive de diferentes formas.

Para un artista, la celebración no es algo que se realiza al minuto de terminar una obra, sino desde la idea, desde el primer pensamiento de cómo hacer una estructura, cómo hacer la plastilina, cómo darle acabado y texturas a la escultura contemporánea. Cuando logras que una escultura contemporánea haga eso, estás en un nivel avanzado donde puedes entenderte con tus obras.

Y es muy satisfactorio también cuando puedes presentarlas y ver la reacción de la gente al mirarlas. Pero eso es parte de un juego en el que puede intervenir el ego: “admirenme porque soy bueno ahí es donde viene la confusión”. El artista creador de escultura contemporánea, no puede perder el piso. Debes recordar tu don, el don de revelar esa forma a la mirada. Tu legado.

Recordamos que las piezas de arte en la antigüedad no venían firmadas. Firmar es muy reciente en la escultura contemporánea. Hoy por hoy que un artista celebre es interesante pero no debe perder el piso y debe poder controlar el éxito. Debe saber que así sus esculturas de bronce se queden en sus salas o estén en el Louvre, él debe sentir la misma celebración.

Que la celebración de hacer algo posible es lo que cuenta. El juego de la vida para el artista a veces es complejo porque tiene que trabajar con emociones cruzadas, el juego de la vida es a veces muy cruel con el escultor. Debe reconocer entre lo mundano y lo material.

La celebración es hermosa tiene su momento y su porqué, a veces se puede celebrar por nada. Puedes acariciar una piel y estás celebrando en tu mente. Puedes acariciar una flor, dándole forma en una escultura contemporánea, o viendo un atardecer, la celebración siempre está presente.

El artista celebra de diferentes maneras, le gustan los amigos, la bohemia la música, sabe apreciar las bellas artes o se sabe diferente. Todos los artistas de la escultura contemporánea deben celebrar el hecho de que pueden embellecer el mundo y que tiene un compromiso.

Si no contribuyes, tampoco destruyas.

El juego de la vida es interesante y el artista de escultura contemporánea debe saber moverse como pez, se le deben resbalar muchas cosas que son parte del arte pero no necesariamente de la celebración. Hay historias de artistas que no saben equilibrar, hay que aprender a manejar el ego y decir “si se puede o no se puede.” A mi en lo particular la celebración es algo que puede existir y te puedo decir que la celebración es una de las cosas más hermosas que existen.

Te quiero presentar algunas de las esculturas contemporáneas que he hecho y que tratan de ofrecer una idea de cómo celebro la vida.

TORTUYO
Tortuyo es la simbiosis entre un animal y el ser humano, un animal como una tortuga y el humano que podría ser tú o yo. Una simbiosis entre una tortuga longeva con el ser humano. Todo mundo quiere vivir mucho tiempo, pero para lograrlo debes caminar con paso firme y constante. Más que dar pasos rápidos, eficaces. Esta escultura es la simbiosis de una tortuga como un ser que camina hasta donde quiere llegar y así podemos ser tú o yo, de ahí su nombre: Tortuyo. ¿

UNO
UNO pertenece a la serie mística de mis esculturas y tiene gran significado para mi ya que lo que represento en esta piezas contemporáneas una búsqueda, un camino y una esencia del humano que en este caso se representa en la unión de un hombre y un caracol. Como un cangrejo ermitaño. Primero es el caracol. Ahí empieza su significado. Tiene un inicio en la punta como todo inicio de la vida y luego comienza la espiral de hendiduras y picos.

Las hendiduras y picos nos dicen que así es la vida. Cada hendidura es un reto o una decepción y cada pico un éxito y a la vez un problema. La dualidad es esta espiral, cada espiral es un año, cada espiral es un momento y algo que te va marcando, esa espiral va creciendo conforme avanzas en la vida, las hendiduras son profundas o más largas pero se hacen más bellas. Los picos se hacen grandes, hermosos a la vez hermosos y firmes, sólidos.

Quise hacer ver al humano viviendo en un caracol, como un ermitaño y que como ermitaños ocupamos un pedazo de vida.A veces queremos salir a ver lo que hay afuera, la representación de este humano, uno, el uno mismo que somos. La palabra uno nos refiere a mi a ti, a uno mismo.

Todo eso quiero regalar con esta escultura contemporánea.

Mis orígenes como escultor del realismo fantástico – Germán Arzate Garza

Me llamo German Arzate y soy escultor mexicano que ha explorado el tema de la dualidad en diferentes obras que expresan diferentes ideas dependiendo el punto de vista del espectador. Nací en México DF el 18 de Abril de 1967 siendo el mayor de una familia de 4 hijos.

Cuando era joven la única forma de tener acceso al arte fue a través de mi madre que siempre ha sido amante de la escultura mexicana y las bellas artes. Ella siempre decía “tenemos que ir al museo”, “tenemos que ver esta obra, escuchar esta música”. Mi madre fue mi único acercamiento. Me gustaban los libros pero no habían muchos libros de arte, no había internet ni televisión por lo que el arte en mis primeros años era escaso o nulo, ni mucho menos era posible estudiar para ser parte de la lista de escultores mexicanos.

Cuando era adolescente tuve que vivir en el Distrito Federal, Guadalajara, Monterrey y las muestras de escultores mexicanos que habían no eran de gran renombre. Las únicas esculturas y obras de arte estaban en enciclopedias donde empecé a admirar a los grandes maestros del arte. Eso me inspiró. Fui amante de la obra de Salvador Dalí, me preguntaba cómo era posible hacer cosas diferentes y por muchos años fue mi héroe artísticamente hasta que conocí a Remedios Varo.

Por parte de mi madre y de alguien de la familia que le gustaba la música. Mi madre tuvo sensibilidad pero nunca llevó a flote algún arte, nunca viví el arte cercanamente, pero nunca tuve contacto al principio con el arte de algún escultor mexicano. Mi padre sabía dibujar bien pero de forma muy primitiva y autodidacta, hacía cuadros de paisajes y de alguna manera alguna forma otro familiar tenía dotes pero nadie había probado antes con la escultura.

Tuve que entender que ser escultor mexicano era un don que se me había dado. Siempre, desde niño me llamó el proceso de esculpir.

Si me dejaban un trabajo de la escuela yo no sólo hacia animalitos sino todo tipo de formas, fue jugando que aprendí a ser escultor. En el super yo no pedía dulces, pedía plastilina para sellar tuberías y hacer formas y modelos. Recuerdo que mis primeras piezas como escultor mexicano hechas por mí, las hice de entre los 7 a los 9 años. Todo lo que encontraba lo adaptaba como herramienta: un palo de paleta, un tornillo e inclusive en algunas esculturas use cabello humano que le pedía a mis tías, a mi hermana o mi madre.

Esta forma de ser, inocente, me permitía mucha libertad. No estaban de moda las clases de arte o las academias de escultura mexicana. Yo empecé a esculpir y ver con qué tipo de cuchillos podía hacer cosas. Todo era tomado por mí de la cocina o al momento de ir a la tlapaleria o ver cuchillos filosos me era interesante encontrar cosas que me podían servir, ningún familiar me ayudó, entonces pude ver la manera de hacer escultura y formas por mi cuenta. Nunca tuve la cultura de ir a la escuela o tomar cursos de arte solo encontré maneras y formas de hacer las cosas.

Uno de mis primeros tallados es en madera y manifesté un sentimiento de la adolescencia, que era una soledad, dibuje una mujer los brazos cruzados, mirando hacia abajo, siempre admiré la figura humana, hice un tallado y otro en madera poquito más avanzado donde iba jugando con las vetas de la madera y hacía que las formas fueran lo más estéticas posible, cuando recibí comentarios, era interesante una obra de un adolescente que en lugar de ver tele tallaba madera o mientras veía una película seguía tallando y haciendo un tiradero todo el tiempo.

Empezaba a sentirme un verdadero escultor mexicano.

He dicho que soy un escultor mexicano de la dualidad. La dualidad siempre ha estado y nunca ha dejado de estar presente, la he visto en la forma de una nube, la he visto en las plantas; en los árboles he encontrado caras, en el cielo muchas cosas, figuras, formas, manchas en una pared que para mi son rostros o piezas. Al principio pensé que era algo raro, que había algo diferente en mí, una forma de ver que no entendía. Más adelante empecé a disfrutarlo y ahora me da risa cómo puedo ver unas piezas y de otro lado, una figura diferente con su propio significado, quería que mi trabajo fuera poético, exquisito para el ojo, para la forma.

Eso me gusta y la dualidad siempre me ha llamado la atención todo es dual en esta vida y nuestra misión es encontrar simbiosis entre un lado y otro. Al ser el mayor de mi familia tuve que trabajar y estudiar medicina para subsistir. Mi familia estuvo bien un tiempo y luego perdimos todo gracias a estúpidas devaluaciones y manejos políticos. Hemos sufrido los atentados del gobierno a la economía y luego debido a un accidente de mi padre tuve que salir adelante con mi profesión.

Por muchos años nunca pude poner un estudio de escultor, ahora acabo de empezar a trabajar con fundidoras y el proceso se realiza constantemente, el montado ya está en forma y puedo desarrollar muchas piezas, el modelado, las formas, el encerado, tallados para originales o montaje. Esto es lo que se realiza siempre continuamente y desgraciadamente no todo escultor mexicano tienen esa posibilidad por lo que estoy muy agradecido con los dones de Dios.

El mundo es cruel para el artista y un poco más como escultor mexicano. Es demasiado aplastante. Hoy por hoy si tú quieres salir adelante, ya no compites contra tu colonia o la cuadra ahora compites contra artistas del mundo. Ahora puedes perder premios contra un artista ruso sólo por ser ruso pero también un mexicano puede también triunfar en Japón.

Debes tomar conciencia si quieres vivir del arte, puede ser que ames hacerlo pero es importante preguntarle al escultor mexicano uevo: ¿Estás seguro? ¿Estás dispuesto a pasar por frustraciones, hambre o carencias? Tampoco el artista puede carecer de visión empresarial, tienes que tener una visión porque el arte es empresa, no es sólo es una manifestación.

Tienes que ser metódico, seguir protocolos y seguir estándares, ser metódico entorno lo que haces, el dinero es importante, hacer el cálculo de tu balance financiero. El escultor mexicano no debe estar peleado con el dinero, el arte no es sólo expresión, también es administración. No es fácil ser escultor mexicano a la par de desarrollarse en un mundo profesional. Es un mundo demandante, el consumismo es impresionante. Tienes que tener muy claro si tu meta es el arte, tienes que seguir un sueño, es un romance, entre tú y el arte, un vaivén de dar y retener.

Debes encontrar un arte que también te ayude a vivir, depende si tu trabajo te gusta o no te gusta. A mi me gusta la cirugía y hago esculturas en la boca de los seres humano, en sus dientes y su sonrisa, eso me ha permitido ser exitoso y con eso alimentar al arte. Quiero mostrar como legado todo lo que me apasiona y es ese legado personal del cual estoy enamorado.

Soy un escultor mexicano orgulloso de representar a México. Este país es inmensamente rico en cultura y muchos de los motivos mesoamericanos están presentes en mi obra.

Soy un escultor mexicano apasionado de la vida, del amor, de todo lo que me rodea. Siempre estoy buscando lo mejor, soy un eterno buscador de gadgets, buscador de situaciones, buscador de pasatiempos que me traigan siempre bueno, lectura, deportes y todo lo tecnológico, me encanta. Todo lo que está afuera en la naturaleza siempre es parte de mi, cualquier situación o sentimiento me llama la atención.

Esto es German Arzate, escultor mexicano y orgulloso de serlo.

La fama y el arte sobre la obra de “Sebastián” – Germán Arzate Garza

Presentar con esfuerzo pero a la vez con éxito un discurso artístico se encuentra exaltada en dos dimensiones y que busca usar cada movimiento para no presentar sentimentalismos pero sí percepción, es lo que logra Sebastián (Enrique Carbajal) en cada una de sus representaciones.

No es necesario conocer al artista para darse cuenta de que cada una de sus obras expresa una profunda reflexión que te puede arropar por largas horas, las mismas horas que Sebastian le dedica a cada uno de sus proyectos para lograr que no abandones tu admiración hacia ellas; por lo menos eso es lo que me pasa a mi.

La cultivada historia de la época renacentista y su afán por seguir aprendiendo más de la historia del arte, fueron aquellos elementos que dejaron un gran impacto en la esencia del joven Enrique Carbajal González, quien ahora muchos amantes de las artes plásticas lo conocemos fielmente como “Sebastián”.

¿Quién es Sebastian?

Enrique Carbajal nace en la muy conocida Chihuahua en el pasado año de 1947, pero la verdadera esencia que marcó un nuevo sendero que se conoce como Sebastián, vió la verdadera luz en el año de 1968. Este nombre se volvió más que una simple tarjeta de presentación, se volvió un recordatorio de un gran suceso en la vida de Sebastián, que fue cuando logró convertirse en miembro Honoris Causa de la Academia de Artes de la Haya, ubicada en Holanda.

Hacer un recorrido por los distintos centros artísticos y museos del país, es transitar hacia un encuentro seguro a una de las tantas obras que esta esencia artística ha creado en sus años de carrera, además, no puedo evitar recordar que el arte y la fama de Sebastián ha sido merecedora de múltiples honorables y galardonadas distinciones, entre las cuales se encuentra La Medaille de la Ville de Paris y el Premio de Jerusalem.

Entre las distintas características que sirven para describir a Sebastián se encuentra su insaciable curiosidad que lo incita a seguir investigando y descubriendo sobre una diversidad de temas que no solo lo hacen crecer intelectualmente, sino que también ayuda a elevar su esencia artística y expresiva cada vez más. De igual forma, esta necesidad de seguir investigando y curioseando, le ha permitido convertirse en un investigador dedicado a tiempo completo para la UNAM; este suceso resaltó un poco más su envergadura, ya que tal nombramiento nunca ha sido otorgado a un artista en el pasado, ya que para muchos, los artistas no investigamos, pero él ha demostrado todo lo contrario.

Una esencia que se convierte en obras

Para poder hablar de la representación de la esencia de Sebastián en sus obras y lo que representa no solo para mi o para él como artista, sino para toda una cultura que ha influenciado a todo el suelo mexicano, simplemente necesitaría publicar un extenso libro que pueda ser apreciado con tranquilidad y es por eso que decir que es una carrera fácil y corta de comentar, simplemente sería un engaño ruin y clandestino para quienes sientan el interés de conocerle.

Su obra representa una amplia y constante búsqueda de expresar algo mucho más que una simple combinación de formas geométricas en composiciones presentadas con subjetividad, en realidad ha sido algo más relacionado a demostrar que se puede expresar arte en lo contemporáneo sin necesidad de verte influenciado por el sentimentalismo y más por la libre percepción e interpretación.

Sus obras se ven influenciadas más por la intuición científica que por la emocional, pero esa particularidad es la que ha ayudado a que sus presentaciones obtuvieran una naturaleza de gran escala y capacidad, tanto que han logrado destacar en el espacio urbano y que en mis visitas a varias ciudades del país he podido ver y admirar.

Ya sea que estés en el Distrito Federal, Chihuahua, Morelia, Toluca, Monterrey e incluso en Cancún, podrás encontrar un granito de la poesía artística de Sebastián que se que la vas a contemplar como yo. La visión artística de esta esencia que es Sebastián, también ha logrado plasmar su geométrica pero artística visión en varias partes del mundo, desde la lejana Suiza, pasando por Israel, Brasil, Canadá, Estados Unidos, Japón, y Portugal.

La ciencia y el arte forman parte de Sebastián

La habilidad de poder mezclar en una fluida fuente la inteligencia y la sensibilidad de una persona para imaginarla en su mente, transportarlas a sus manos y llevarla a un plano físico, es algo que todos podemos lograr, pero pocos son los que logran explotar esa verdadera chispa que logra capturar la atención de miles, y eso es lo que representa y expresa Sebastian.

Sebastián se hace dueño y rey del espacio, permite que corra libre cada espacio de su imaginación, para así expresar y exponer todo lo que ha aprendido en cada una de sus investigaciones y estudios sobre geometría. Solo un verdadero investigador de las artes plásticas es el que puede encontrar una forma en que las matemáticas funciones a su favor para que logre enriquecer todo su trabajo escultural y cuidar la estética de sus presentaciones.

Un corazón y una personalidad dócil, expresiva y experimentada, es lo que tapiza la habitación que conforma todo lo que representa ser Sebastián en este mundo de centenares de expresiones, pero que sin importar lo que sus manos hagan, el siempre buscará que tu tengas tu propia opinión de su trabajo, porque sus obras también reflejan esa libertad de comprensión, que muchos artísticas deberían tener y que a mi me encanta.

La dualidad en las culturas antiguas – Germán Arzate Garza

Cada mañana que despierto, para mí se hace casi imposible dejar de pensar lo especial que es cómo antes de este amanecer, hubo un cielo cubierto por una extensa oscuridad, como la primera respiración de un bebe, da paso a la vida y como mi propia vida, orientada por mi masculinidad de nacimiento, no hubiera existido sin la presencia de una esencia femenina que alentará mi existir. Eso es la dualidad.

Pero cuando hablo de la dualidad, más que todo su significante presencia en muchas culturas y religiones, especialmente en una tan extensa y rica como la es la de la antigua Maya.

Mi vida, la de todos, está regida según esta cultura por la constante presencia de dos principios de gran supremacía que reaccionan de manera independiente, pero que no dejan de tener un protagonismo entre sí. En mis estudios e investigaciones para buscar nuevas fuentes de inspiración para la realización de nuevas expresiones de arte, he podido darme cuenta de cómo la búsqueda de expresar armonía y equilibrio en cada uno de sus aspectos culturales se hace presente.

Vivir como resultado de la dualidad, es sencillamente entender que en la vida siempre existirán dos fuerzas que se oponen y luchan entre sí, pero también es cierto que en esta lucha siempre se puede conseguir una armonía expresión que se puede admirar.

El Dios Descendente

Lo majestuoso del cielo contra la solidez y firmeza del suelo se enfrentan para dar bienvenida a una divinidad conocida popularmente como el Dios Descendente. Imaginar a un dios bajar del cielo para dar presencia divina a los pueblos de la tierra era algo muy común.

Este dios no solo representa una entidad de fuerza que proviene del cielo, sino que que también resalta esa gran línea diferencial entre los pueblos que se encuentran en la tierra, y que a pesar de sus diferencias esa relación en dualidad siempre estará presente.

Se le representa con una figura con la cabeza hacia el frente, sus brazos colgados a sus costados y piernas flexionadas como si se encontrará descendiendo de los más altos cielos. Su representación histórica y su estética rústicamente tradicional la hacé mucho más llamativa por representar esos detalles tan importantes de la cultura.

Venus – La Estrella Vespertina

Así como el mundo puede darme buenas noticias, para los mayas Venus significaba mucho más que una estrella vespertina que anunciaba la mañana durante casi 90 días en su calendario. Este cuerpo de los cielos mostraba un sinónimo de malas nuevas, de presagios funestos y aproximación de nuevas guerras que afectarían el constante vivir de esta cultura. Una vez más, la dualidad de las creencias y las influencias de una generación antigua se hace presente hasta en la organización de sucesos futuros de esta época pasada.

La mañana es significado de nuevos inicios, pero un cielo adornado con esta estrella matutina, marcaba el inicio de nuevas reacciones y acciones que hacen alarmar a toda una cultura.

A nivel artístico y escultural, Venus es representada como el Dios guerrero que en sus manos se reposa preparados flechas para el ataque, mientras que a un lado en el suelo se encuentra un enemigo mortalmente herido, quien sucumbe en dolor por un dardo en su cuerpo.

Lo que nos hace pensar como un elemento celestial, de gran brillo y presencia, trae consigo un antagonista tan oscuro y cruel, que expresa emociones sumamente conflictivas tanto visual como internamente.

Sintiendo el poder del Sol y la Divinidad de la Luna

Comprender esa constante lucha armónica que se aprecia en la cultura maya y en su historia, no es algo que solo debe ser admirado por medio de libros de textos o visitando centros históricos acá en Tulum, solo debo admirar por mi ventana y ver como la luz del sol reacciona ante los cuerpos de la tierra para crear sombra en un mundo iluminado.

Esta misma relación se encuentra en mi interior y es la que siempre busco expresar ante cada una de mis obras y esculturas, porque así como yo puedo sentir emociones complicadas que buscan salir, sé muy bien que otras también la pueden presenciar en sus vidas.

Esto también se refleja en la presencial del sol y la luna en una cultura tan basta y extensa como lo es la del pueblo Maya, en donde el Sol al expresar un constante latir de vida y firmeza, busca estar en armonía con la delicadeza y espiritual presencia de la luna en un mismo cielo.

Muchas historias dicen que ambos cuerpos celestes buscaban enamorarse y vivir juntos, pero que muy pocas veces en ciertos periodos de tiempo han logrado encontrarse para crear sucesos que han marcado la historia de nuestra humanidad.

En lo personal, pienso que esta búsqueda no solo se ve reflejada en la historia, también hace presencia en mi vida diaria, en mi vida adulta e incluso en mi vida de recuerdos, ya que internamente siempre estamos en ese proceso de encuentro con nosotros mismos, para lograr expresar la mejor parte de nosotros.

Ya sea con palabras, con gestos, con música o en mi caso con esculturas y expresiones plásticas de arte, poder transmitir esa armonía que se encuentra en el conflicto de la historia es vital para el crecimiento y es algo que en mi ha logrado inspirar de manera excepcional.

Nunca seré luz y nunca seré oscuridad, siempre seré una expresión viviente de ambas entidades, que busca con sus manos expresar emociones encontradas, aún no me conozco en totalidad y vivo para conocerme cada día, pero no pasará ningún día que no deje de agradecer a esta gran influencia mexicana, de su cultivo cultural y de su torrente viviente que aún se mantiene en curso por el presente.

Esculturas del realismo fantástico que hablan del amor – Germán Arzate Garza

En estas esculturas de bronce, el amor es una palabra compleja porque más que una palabra, es un sentimiento una emoción algo que no está ni tangible ni palpable es algo que simplemente se siente o no.

El amor también ha sido mencionado en infinidad de cuestiones artísticas no nada más en las esculturas de bronce, también en pintura, poesía y literatura; es un concepto que siempre está ligado a algo que va en la sombra y en la dualidad que significa vivir también el desamor.

Cuando haces una escultura de bronce le pones amor, le pones presencia a tu presencia, entregas las emociones y el sentimiento está presente, el amor al arte, al tiempo que le dé dedicas, es una manera de poderse sumergir expresar, sentir y apasionar.

Todo está ahí plasmado en las esculturas de bronce que realizo.

Sientes un amor en particular porque esta escultura en bronce fue parte de tu esencia, está ahí y la plasmaste, dejaste un legado.

Ahí viene el artista observando a otro artista sentir el amor sobre las cosas, tomar una flor y acariciar y sentir su temperatura sentir su textura sentir su forma y su color.

MÍA

Esta escultura de bronce es un poema al amor en el sentido de un abrazo, un beso, una penetracio?n, una posesio?n, de una interminable sed de quien tienes en frente.

Una dualidad perfecta del amor ya que posee la completa posesio?n.

No importa si es un familiar una pareja, un hijo o quien te rodea.

El amar tanto que se siente parte de uno mismo.

Tiene la dualidad masculina de apretar, la pertenencia, el tocar, el sentir, el hacer que todo sea tuyo, sin li?mites y por el otro lado el femenino, que es la entrega, la con anza, el dar, el dejarte ir, fluir.

Esta dualidad existe en todo hombre y mujer, se tienen despiertos ambos… y siempre hemos jugado ambos roles.

Pasión

La pasión ha sido siempre parte de mi vida en cuanto a hacer las cosas pero también la pasión una vez que entendí el amor, que entendí cómo funcionaban los instintos, tu forma de expresarte, me di cuenta que todo empezaba en una boca, en un cuello, en la nariz.

Una pasión que tal vez nos hace pensar en el cuerpo, hacia lo erótico o algo más grotesco. Aquí la pasión es un gesto sutil, una mirada puede ser un cortejo, una palabra un cumplido pero la pasiones justamente cuando comienza el roce, ese toque y esa manera de sentir.

Cuando quise plasmar esta pieza empezaba por una boca, un cuello, una nariz, la duda era si ponía la cara o no, si cada en lo mismo, una pareja besándose, una pareja viéndose, una pareja sintiéndose, tenía que ser algo sutil quise acabados triangulares y rectos para que toda la belleza se centrara en el ligero toque de dos barbillas, esa era la idea, la hice en una estructura donde lo más difícil con plastilina era lo más complicado.

Pasíon es una de las esculturas de bronce que transmite pasión por la vida y las cosas, la pasión por hacer las cosas, pasión por uno mismo, la pasión a ese fuerte amarre a lo que quieres, esa búsqueda, ese sentir y esa entrega a luchar por lo que quieres también tiene que ver con la pareja, con el amor, esta la he entregado a pacientes o amigos que luchan por alguna pasión, por las cosas o por la pareja, no importa como la manifiestes, la pasión es lo que cuenta.

Toque íntimo

Para mí esta es una de las esculturas de bronce que expresan el acercamiento a veces físico, químico o etéreo de una persona con otra. Quería señalarlo muy sutil.

Eróticamente sutil y a la vez de una manera mística.

Para mí las manos siempre han sido la herramienta más interesante para acercarse al otro. El toque, el sentir, el acariciar, eso es algo que es muy importante.

Cuando de alguna manera siento que el acercamiento con alguien puede ser sentido con el más mínimo milímetro de tu piel con su piel, ahí hay una descarga de electricidad, un intercambio de energía y adrenalina, emoción que es a la vez un acercamiento a lo desconocido.

Sentir cómo es el universo de ese ser que está a tu lado. Y eso expreso en esta colección de esculturas de bronce.

Significa que hay dos mundos que se juntan en un universo, es un mar que se hace uno, un mar inquieto del cual emergen dos manos y cada mano está en una posición en donde emerge y gira para voltear y sentir al otro, mano de hombre y mujer que representan al lado masculino y femenino. Perfecta simbiosis.

La fuerza, la energía que contiene tu mano al acercarse a otro. La parte masculina buscando, sintiendo y tocando simplemente muy sutil en unos lóbulos de las manos causa que de la mano femenina salgan descargas de electricidad representadas en rayos, de esa manera se crea un toque íntimo en esta escultura de bronce.

Fue interesante cómo representar en esta escultura de bronce en particular dos manos en un cortejo donde puedan hacer sentir al otro una descarga y a la vez que fuera elegante, que fuera majestuoso. Tuve que mirar mucho mis manos, las manos de los demás, las posiciones, eso es lo más importante.

Si la emoción siempre gana, tu emoción interna es lo que debemos seguir, la intuición y la forma de cómo hacer sentir y que te hagan sentir.

Es justamente cuando te acercas y de alguna manera tienes el toque perfecto con una perfecto y volteas a ver energéticamente cómo esa descarga llega hasta ti.

En estas esculturas de bronce, el amor se presenta fuerte y desbordado pero también sutil. Es esta dualidad del sentimiento la que más me ha fascinado en la vida.

German Arzate, escultor mexicano.

Esculturas de arte que hablan de la naturaleza del ser humano – Germán Arzate Garza

Mi nombre es German Arzate y soy escultor mexicano autodidacta he realizado esculturas de arte en bronce pero también he trabajado con diferentes materiales.

Desde niño me llamó el proceso de esculpir. Jugando en la escuela con plastilina, nunca me limité a hacer animalitos sino que exploraba formas nuevas.

En la Colección Natura, el arte en bronce con las figuras de animales tienen un toque muy mío. En ella los animales expresan las características que comparten con nosotros, lo seres humanos.

Toda la colección lleva ciertas líneas que imitan músculos o caricias del viento. como si fuera aerodinámica con una maquinaria perfecta. En este caso me decidí no ir por el arte en bronce porque el material te permite expresar diferentes cosas.

La fuente de estas esculturas, algunas de arte en bronce, es todo lo que menciono pero también llegar al mundo animal con esta colección y hacerla parte de lo que es siempre estar buscando la dualidad dentro de una misma pieza, dentro de una misma hay modernidad y naturaleza.

Eso me apasiona.

La naturaleza tiene mucho de hombre y el hombre mucho de naturaleza. Esta dualidad de la existencia acompaña gran parte de mis esculturas.
León

El león es una versión estilizada de la estética y buscar un sentido más moderno en este arte en bronce.

Siempre me ha llamado la atención que el león ha estado presente en los grandes imperios, es una representación de autoridad y fuerza y liderazgo.

El león se ha hecho en diferentes versiones. Siempre ha estado presente, en los palacios, castillos, porque es un animal al que siempre puedes reconocer su fuerza y es el felino más fuerte y poderoso de todos los felinos.

Los imperios siempre han buscado tener un león guardando y protegiendo las entradas que demuestran liderazgo.

Cuando realicé esta esta escultura de arte en bronce, me di cuenta que puedes tener un león en tu casa, pero ¿por qué lo tienes?, ¿qué quieres demostrar?

El simple hecho de que un león esté presente a nivel energético está denotando liderazgo hay un imperio, hay fuerza…

Toro cúbico

Cuando realicé esta pieza el toro cúbico fue un reto primero que nada por entrar al tema de los toros.

Cada vez que mencionas el toro significa estar a favor de la corrida de toros.

Jamás sido partícipe de las corridas de toros, yo sería el primero de estar ahí si la pelea fuera justa, yo creo mucho en la parte donde si algo es parejo, adelante…

Para mí hacer un toro era un reto y hoy que lo he hecho puedo decir que es hipnotizante poder sentir cada músculo, esos movimientos, esa entrega del animal es una de las cosas más impactantes. Elegí otro material diferente al arte en bronce por estos significados y matices.

Pantera

Quería hacer un arte en bronce de un felino que fuera representativo a la destreza, a la sagacidad, a lo sensual, y a la vez a algo que es muy elegante.

Para mí la pantera es arte en bronce que representa la preparación para realizar algo, fuerza, y ataque.

Una manera de representar cuándo alguien tiene un proyecto en mente, cuando va detrás de algo o alguien; en cómo cada movimiento debe estar equilibrado, esto lo vi cuando vi cómo se movía un felino de ese tamaño para acechar a su presa, para mí era una fuente de inspiración que un animal tenga esa majestuosidad.

Cualquier felino me hace ver sus músculos, los huesos entre la piel y las pisadas sutiles pero firmes y así hay que ser en los negocios y en la vida.

Este arte en bronces está dedicada a un gran planeador, observador y ejecutor. Esto en la vida diaria se ve en todos lados, desde lo que queremos hacer, nuestras decisiones y manejo, ser precavidos, de alguna manera exactos y cuidadosos con nuestras palabras y acciones.

A veces toma trabajo darse cuenta pero es parte de una enseñanza, el poder llegar a esa perfección que la pantera puede dar.

Dos meses me tomó darle el movimiento perfecto, hacer que la cola, las garras, los músculos, la mirada y todo lo que tiene se vea en una sola escultura de arte en bronce: equilibrio, destreza y fuerza. Esta pieza se me hace altamente elegante.

Caballo moderno

En esta escultura que realicé hace algún tiempo fue muy interesante porque fue de hecho la primer pieza que quise sacar como naturaleza, quería un caballo diferente, que no se viera como los demás, darle la fuerza y el brío de una manera muy estilizada. Pero que siempre se vea el equino como tal.

El significado es que justamente es una pieza que habla de fuerza, libertad, dominancia y a la vez un fuerte brío. Es para alguien que no sólo es amante de los caballos sino que le gusta que las cosas sean a su manera, es para una mente libre, revolucionaria y salvaje.

¿Por qué quise hacer un caballo de esta manera? Es un grito a la libertad, es un grito a hacer las cosas bien todo el tiempo con fuerza impetuosa. Me gusto el tema de moderno porque permitía una forma especial, una forma que no pase de moda y que fuera del momento.

Las emociones es mente salvaje, rebelde, obsesionada por la perfección, siempre saliendo de patrones normales. Es un alma fuerte de un gran potencial como este caballo moderno que está en dos patas luchando, celebrando y moviéndose en libertad.

Esto con la vida real se relaciona con el caballo porque siempre nos llama la atención su melena, su forma de caminar, su elegancia. Esta pieza lleva esa parte elegante que puede adornar un negocio, casa, oficina u empresa. Cualquier entrada o recámara. Enseña que el brío del caballo está en nosotros.

Por la forma que tiene, el bronce sostiene la fuerza del caballo y debe ser muy estilizada.

Escultores mexicanos que admiro – Germán Arzate Garza

Mi nombre es German Arzate y soy parte de los escultores mexicanos que han tenido una formación autodidacta. Nací en México DF el 18 de abril de 1967 siendo el mayor de una familia de 4 hermanos.

Mi única forma de acceder al arte fue a través de mi madre, una amante de las bellas artes. En ese tiempo no había internet y el acceso a las obras de arte era mediante libros o enciclopedias.

Ahí nació mi amor por grandes escultores mexicanos de esa época y recientes. Aquí te presento alguno de esos artistas contemporáneos que más admiro.

Los escultores mexicanos Leonora Carrington, Agustín Parra y Pedro Cervantes comparten características que siempre retoman el poder del pasado como elemento, el medio autodidacta o de rechazo a las academias de arte.

Una afinidad y sensibilidad por el misticismo de estos escultores mexicanos ayudan a revivir el mito del creador divino, pero también representa la rebeldía humana que desafía y crea ídolos de metales preciosos que rivalizan con las divinidades invisibles.

Leonora Carrington

Se cumplen 100 años del aniversario del nacimiento de Leonora Carrignton que forma parte de los escultores mexicanos que más admiro. Para mí es un gusto y un honor conocer su obra.

Ver su legado es fascinante y en lo particular siento que lo que vale la pena de Leonora Carrington es su atrevimiento en un momento por el que las mujeres pasaban varias cuestiones difíciles, para una mujer expresarse era muy difícil y poder plasmar en algún campo artístico, político y económico era muy difícil.

Ella es una de las mejores escultoras mexicans que nos llevó a un sistema de pensamiento en el cual te confrontas, lo ves y te imaginas y de alguna manera vuelas con ella y sus obras.

La fusión de manos humanas con calzas de animales, campanas y diferentes artefactos plasmados en pintura, escultura y muchas técnicas siguen hablando de cosas fascinantes.

Leonora Carrington ocupa un lugar muy especial entre los escultores mexicanos. Es a veces fúnebre y oscura pero me encanta cómo puede plasmar eso que quiso pensar y decir, algo artístico.

Han pasado 100 años de su nacimiento y recientemente se fue una gran artista. Pero ha dejado un legado que se deja ver y que dejó mucho trabajo por admirar en México.

En lo particular yo hago mi función en el mismo lugar donde ella realizó sus fundiciones y me encanta ver cómo se plasman ahí sus obras y cómo en México es una gran mujer del arte.

Agustín Parra

Entre los escultores mexicanos que más han desarrollado una personalidad propia retomando elementos del arte de otras épocas se encuentra Agustín Parra, conocido artista que se ha inclinado por integrar motivos religiosos en su obra, que incluye la revitalización de técnicas antiguas.

Parra realiza obras bajo comisiones de arte colonial por parte de organismos eclesiásticos y sus figuras alcanzan un realismo especial donde la atención al detalle de la anatomía humana resalta, pies, venas, manos etc como una preocupación constante entre este grupo de escultores mexicanos.

Las piezas se realizan de forma individual y Parra usa todo los métodos originales posibles de siglos que van desde el XIV al XVII.

Además la cercanía y predilección de la Iglesia Católica por su trabajo ha puesto a Parra entre el grupo selecto de escultores mexicanos que han podido realizar trabajos para 3 diferentes Papas.

Parra participó junto con otros artistas y escultores mexicanos en la elaboración de 96 piezas durante las visitas papales de 1999 y 2002 así 34 para la de 2012. Recientemente aportó el mobiliario para la recepción del Papa Francisco.

Pedro Cervantes

Pedro Cervantes como Leonora Carrington y Agustín Parra es uno de los escultores mexicanos que mayormente han experimentado o han realizado obras con el mayor número de materiales posible dando a su obra a libertad técnica y creativa que lo destaca.

Cervantes forma parte de los escultores mexicanos que confiesan tener una fascinación por el lado animal de las cosas.

Además Cervantes ha sido de los primeros escultores mexicanos en pronunciarse por una propuesta de obra “ecológica” es decir, piezas que armonicen con el espacio citadino, que eviten la contaminación visual de los paisajes urbanos.

Aunque cursó estudios en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, dejó los salones académicos para, como otros de los escultores mexicanos, se decidió por la experimentación materiales diversos.

La obra de Cervantes expresa elementos de la sexualidad, el infinito placer que se une con la infinita inestabilidad del sentimiento erótico y amoroso.

Sin duda México ofrece una amplia gama de influencias que retoman elementos de la gran diversidad técnica, temática que ofrece este país lleno de ideas y fantasmas que en este caso se representan en todos los motivos místicos eróticos en la obra de estos escultores mexicanos.

Soy un escultor mexicano que ama trabajar con la dualidad – Germán Arzate Garza

Soy un escultor mexicano que ofrece una visión dual en obras donde convino escenas cargadas de erotismo y humanidad con elementos de lo natural/animal que me ubican como un artista mexicano del realismo fantástico.

La dualidad de la existencia humana es una constante en mis esculturas de bronce: placer-dolor, felicidad- tristeza-, hombre-mujer, soledad-compañía, amor y ruptura, temas que acompañan mi carrera como escultor mexicano.

En mi obra quiero trabajar con una marcada libertad creativa e imaginativa pero con un poco más de claridad comparada con las rupturas artísticas de la mitad del siglo XX.

Mi propuesta se ubica en la fusión de los opuestos, en su unión contradictoria que, sin embargo, gracias a la estética que me permite expresarme como un escultor mexicano entregado al concepto colocado en cada obra donde logro unir dichos contrarios en una expresión concisa usando el bronce como material expresivo.

Sin embargo, en mi exploración artística como escultor mexicano he explorado las posibilidades expresivas de otros materiales como la arcilla, plastilina, madera, mármol, metales y el acrílico.

¿Un escultor mexicano de la nueva generación?

Aunque me considere un escultor mexicano de la nueva generación, retomo siempre el elemento humano y al cuerpo en expresiones clásicas de la escultura gracias a su atención al detalle en la representación de un rostro, músculos o un cuerpo en movimiento.

Para mí lo más importante y que trato de reflejar plenamente en mis esculturas de bronce es la posibilidad de observar, soñar, trabajar exhaustivamente según mi propio ideario como escultor mexicano que trato de hacer público en las entrevistas que me han realizado con respecto a los motivos de mi obra.

Ser artista en México me ofrece la posibilidad de grandes imaginarios donde el realismo fantástico y la multiplicidad de temas que me ofrece la diversidad de influencias y culturas es una constante y como escultor mexicano, aprovecho los influjos clásicos y originales que en esta tierra legendaria han aportado Frida Kahlo, Remedios Varo, y otros nombres conocidos por la crítica mundial.

Mi obra explora con fascinación el tema del erotismo y en la relación – casi perdida en el arte contemporáneo y recuperada desde mi taller de escultor mexicano– del ser humano con su lado más animal.

La rebelión en mi estilo

Mi estilo apuesta por la rebelión pero también por integran estilos propios de la riqueza cultural como las que expresas las culturas mesoamericanas, las búsquedas chamánicas que trato de mostrar en mis obras y a lo largo de mi exploración como escultor mexicano.

Trato de representar en las esculturas de bronce la relación entre hombre y naturaleza, exploro cómo los aspectos humanos interviene en ella y con animales, plantas o incluso las estrellas.

En la escultura “Rinoceronte” expreso la unión entre la agresividad del animal africano con la realidad del ser humano. La furia de la bestia sólo se refleja una vez que ha encontrado un obstáculo en el camino y no duda en usar su arma para hacerse paso.

En esta criatura, se une la pasividad que demuestra en su vida cotidiana con la fuerza y furia que refleja una vez que se enfrenta a sus enemigos.

Para mi, como escultor mexicano, mi obra expresa esta dualidad en tres vertientes: una mística donde hablo de dualidades más metafísicas como las del hombre y sus dioses, una romántica donde el amor se observa en sus arquetipos más extremos de dolor-placer y una natural donde los seres animales representados sufren también sus propias dualidades, principalmente aquellas donde más se parecen al ser humano.

El producto de mi trabajo como escultor mexicano está en constante experimentación, trabajo con diferentes materiales y formas, busco en todo momento hacer de mis piezas objetos llenos de poesía, originalidad y significado.

El significado de mi obra

La poesía puede transformarlo todo y como escultor mexicano trato de demostrarlo al hablar del dolor en obras como “Mía” o “Dolores” donde expreso el gran duelo del desamor y la pasión que termina agotando o derrotando a los amantes.

En ellas, expreso todo el dolor que puede provocar el amor como expresión del dolor.

En la primera escultura de bronce se expresa la unión del amante que se aferra al cuerpo de la amada y en la otra, plasmo el cuerpo de la mujer expresado en lo que parece una encia gigante que trata con ironía el dolor provocado por el deseo erótico.

Siendo un artista autodidacta, concentra su trabajo en esta propuestas que unen opuestos y crean armonía entre los contrastes.

Por ejemplo, en obras como “Equs” o “Toro Negro” los animales se encuentran enfrentados en su propio dolor natural provocado por situaciones humanas como la tauromaquia pero reivindicadas en su expresión de belleza y poder ante esos dolores, tal como mi obra como escultor mexicano plasma e inmortaliza con atención al detalle.

En otras obras de bronce como “Rey del Mar” retrato el misticismo de las deidades comparándolas con el hombre cansado que duerme esperando los movimientos de las mareas.

El mundo acuático es una parte importante de la expresión de mi trabajo como escultor mexicano, por la cercanía con el mar que tiene gracias a ser vecino de las costas de la Riviera Maya.

Cuando veo a la gente mirar las obras en alguna exhibición quiero que las tocan, que las sienten, quisiera que pudieran sentir la misma sensación que yo tengo al momento de realizarlas.

He tenido la oportunidad de ser reconocido como escultor mexicano y representativo del realismo fantástico contemporáneo en algunos espacios como la Agora Gallery en Nueva York donde ofrecí una muestra diversa de mis propuesta en Febrero y Marzo de 2016.

Angela Di Bel, directora de Agora Gallery en New York, dijo unas palabras que agradezco: “seleccioné la obra de Arzate porque habla de temas que siguen fascinando en el arte: el misticismo, el amor, el dolor y la naturaleza”.

Soy un escultor mexicano vivo también una dualidad en mi arte y en la vida profesional en Cancún, Quintana Roo donde desde años hace años trabajo como odontólogo. Ser dentista es hacer escultura en chiquito.

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